Entrevistamos a Fernando Álvarez Maruri, un auténtico enamorado del arte,para que nos hable sobre los tesoros del arte sacro español del Museo del Prado. Fernando se define a sí mismo como un “pradoadicto”. A pesar de no residir en Madrid, cada vez que viaja a la capital de España, realiza visitas al museo; en ocasiones, éstas duran una jornada entera. En esta ocasión nos habla del arte sacro español en el Museo del Prado, correspondiente al románico, gótico y renacimiento. El Museo alberga tanta cantidad de tesoros que es imposible abarcarlos todos en una entrevista. Por eso, cita y comenta, a modo de pincelada, algunos de los más significativos, siendo consciente de que tiene que omitir, muy a su pesar, muchísimas obras de arte de primerísimo nivel.

En una próxima entrevista, que debido a su minuciosidad tardará un buen tiempo, abordaremos del arte barroco en adelante.

¿Cómo descubrió el Museo del Prado y sus numerosos tesoros?

Comencé a viajar a Madrid, de manera continuada, en 1985, a la edad de veintidós años; en aquel tiempo, estudiaba Geografía e Historia en la universidad del País Vasco. Siempre he considerado que el patrimonio histórico artístico de una nación, de alguna manera, es la materialización de su historia. El emperador Carlos V, su hijo Felipe II, Felipe IV y los primeros reyes de la dinastía borbónica, por poner algunos ejemplos, se han convertido tan solo en un recuerdo. La España en la que vivieron se ha transformado profundamente, en muchos aspectos es irreconocible. Sin embargo, algo real y tangible nos queda de ellos. Lo esencial de sus colecciones artísticas se conserva en el Museo del Prado. Cuando contemplamos los Tizianos que tanto fascinaban al emperador Carlos, podemos introducirnos en su mundo, entender su mentalidad y conocer sus gustos estéticos; lo mismo nos ocurre al visitar la sala que atesora los Boscos de Felipe II, o cuando caminamos por el espacio reservado a Velázquez y nos maravillamos con los retratos que pertenecieron a Felipe IV. Tenemos la inmensa suerte de que las mejores obras artísticas de las que disfrutaron nuestros reyes han llegado hasta nosotros, casi siempre perfectamente conservadas, y son accesibles para los ciudadanos.

Huelga decir que para conocer, con un mínimo de rigor, un museo tan extenso y denso como lo es el Prado se necesita realizar decenas de visitas. Siempre que uno deambula por este lugar mágico, descubre pinturas “nuevas”, de las que habitualmente se encuentran depositadas en los almacenes y que por falta de espacio no encuentran acomodo definitivo en las salas del museo. Otras veces, la obra en cuestión ha pasado por los talleres de restauración y ha sido despojada de barnices oxidados, pudiendo ser admirada en toda su plenitud, como salió de las manos del artista que la creó. En realidad, el Prado nunca se termina de descubrir del todo. Es un museo vivo, no una colección cerrada; sigue creciendo e incorporando nuevas obras de arte. Gracias a las adquisiciones por parte del Estado y a las generosas donaciones de particulares, enriquece paulatinamente sus fondos y rellena las lagunas existentes.

Me gustaría que nos comentase cuáles son las obras más señeras de la colección del Prado; me interesan, de modo especial, las de temática religiosa que atesora entre sus muros tan insigne institución cultural. Creo que en esta entrevista deberíamos centrarnos en la escuela española y dejar, para más adelante, el resto de escuelas.

Es complicado hacer una selección de los tesoros artísticos que se conservan en nuestra primera pinacoteca nacional; se trata de una tarea ardua y dolorosa. Por falta de espacio, deberemos excluir de nuestra lista obras de gran belleza estética; tampoco podremos citar a muchos artistas célebres, mundialmente reconocidos. El Prado está considerado como el museo del mundo que atesora un mayor numero de obras maestras por metro cuadrado, se habla de unas ochocientas; los expertos lo califican como un museo de pintores y de artistas, no es una colección enciclopédica al uso. En estas páginas, me limitaré a comentar un ramillete de obras, y no podré realizar un análisis exhaustivo de las mismas. Mi única intención es despertar en el lector el interés por visitar, de manera pausada y ordenada, esta institución. Su existencia supone un motivo de orgullo para los españoles; nos abruma por su inmensidad y a la vez eleva nuestro espíritu. El Prado, entre otras cosas, es una auténtica Biblia visual, que nos ayuda a conocer los pasajes más representativos de las Sagradas Escrituras.

¿Cuáles son las principales obras, dentro de las más antiguas, de la escuela española, que se conservan en el Museo del Prado?

Tenemos que remontarnos al siglo XII, una época en la que en la mitad norte de la península se asientan cuatro reinos cristianos, que siglos más tarde se fusionarán para formar España; nos estamos refiriendo a las coronas de León, Castilla, Navarra y Aragón. Durante esta centuria, dichos reinos se enfrentarán a problemas de tipo sucesorio y competirán entre sí por ampliar sus fronteras. La zona sur de la península se encuentra bajo el dominio del Imperio Almohade; los musulmanes, tras siglos de Reconquista, luchan por conservar Al Andalus, sus tradiciones y religión. En este contexto histórico, en una pequeña población enclavada en la provincia de Segovia, encontramos la Ermita de la Veracruz de Maderuelo. El ábside de este templo se ornaba con una serie de pinturas al fresco. Como consecuencia de la construcción de un pantano, estos frescos fueron trasladados a lienzo en 1947. Su destino final fue la exposición permanente en el Museo del Prado, a partir de 1948. Las pinturas están fechadas en el siglo XII. Se trata, sin duda, de uno de los conjuntos pictóricos románicos más importantes de España.

¿Cuál es la principal finalidad de las manifestaciones artísticas del románico español?

Tienen como única finalidad adoctrinar a los fieles, en su inmensa mayoría analfabetos, a través de la representación de una serie de pasajes bíblicos, siempre con un carácter didáctico. Las cuestiones estéticas quedan supeditadas al mensaje doctrinal que se quiere enviar al espectador; se trata, por tanto, de un arte eminentemente conceptual. Desde el punto de vista temático, se hace referencia a los dos paraísos: el terrenal y el celestial. En un espacio semicircular se representan dos importantes pasajes del Génesis: la Creación de Adán y el Pecado Original; las dos escenas están divididas por una palmera, árbol que hace alusión a la localización oriental del jardín del Edén.

A la hora de representar a Dios Padre insuflando vida a Adán, el pintor anónimo renuncia a cualquier referencia espacial, nos da la sensación de que las figuras flotan en el espacio. En la pintura románica la perspectiva es inexistente. Las figuras aparecen flexionadas, adaptándose al espacio semicircular. Se representa a Adán completamente desnudo, ocultándosele al espectador tan solo la visión de sus partes pudendas. El pintor renuncia al naturalismo y nos da la sensación de que los cuerpos de nuestros primeros padres son los de dos muñecos articulados; recurre a una serie de líneas negras y rojas para dibujarlos. Se utilizan colores planos; los volúmenes de las figuras están iluminados por igual, no existen las sombras, ni matices lumínicos.

La narración del pecado original se sintetiza en una única escena, en la que los protagonistas se sitúan a ambos lados del árbol de la ciencia. Eva sujeta el fruto con una mano, mientras que cubre sus genitales con una hoja de parra, inequívoca señal de que siente vergüenza de su desnudez. Adán, por su parte, con el rostro desencajado, se sujeta el cuello con una mano y con la otra tapa sus partes íntimas; ya son plenamente conscientes de que han pecado contra Dios.

En el testero, espacio semicircular, el artista anónimo representa el Cordero Místico, es decir a Cristo Salvador, inserto en una cruz, sujetada por dos ángeles. A ambos lados aparecen las figuras de Caín (aunque para algunos estudiosos se trataría de Melquisedec) y Abel, presentando respectivamente sus ofrendas a Dios.

Presidiendo este esplendido conjunto pictórico, en la bóveda, aparece el Pantócrator; se trata de la representación, típicamente románica, de Cristo en majestad (Maiestas Domini), insertado en una mandorla o almendra mística, sostenida por cuatro ángeles. El Salvador, entronizado, nos bendice con una mano, mientras que con la otra sostiene el Evangelio. En una ventana muy estrecha encontramos al Espíritu Santo en forma de paloma.

Los cuatro evangelistas aparecen con la forma del Tetramorfos: con cuerpos humanos y las cabezas del animal con el que se les relaciona a cada uno (león para San Marcos, toro para San Lucas y águila para San Juan); a San Mateo se le representa con un ángel. Las figuras de los apóstoles de Cristo aparecen enmarcadas por estructuras arquitectónicas que nos remiten a la Jerusalén Celestial. El pintor reproduce en estos muros otras escenas evangélicas como La Anunciación del Ángel a María; La Virgen y el Niño adorado por un rey mago (en muy mal estado de conservación) y María Magdalena enjuagando los pies a Cristo con sus cabellos. Este conjunto pictórico estilísticamente guarda relación con los lienzos procedentes de San Baudelio de Berlanga (provincia de Soria) y que también se exponen en el museo, en la misma sección dedicada al arte románico.

De entre todas las que cuelgan de las paredes del Prado, ¿Cuáles serían las más paradigmáticas del gótico español?

El museo del Prado cuenta con una excepcional colección de pintura gótica española. Encontramos todo tipo de piezas, desde las de carácter más primitivo y arcaizante hasta las más evolucionadas, que utilizan un lenguaje naturalista, próximo al renacimiento. He escogido para la ocasión una tabla de Jaume Serra en la que se representa a la Virgen de Tobed. Procede de la Iglesia gótico-mudéjar de Santa María de Tobed, en la provincia de Zaragoza; concretamente se trata de la tabla central del retablo mayor. Ingresó en el museo recientemente, formando parte de la generosa donación que realizó Várez Fisa de su colección de obras góticas y renacentistas españolas. En el museo se ha habilitado una sala de grandes dimensiones para exponer dignamente tan valiosa aportación. La Virgen de Tobed está fechada entre 1359 y 1362. Se trata de una obra cumbre del estilo italogótico catalán; además de su indudable calidad estética, se trata de un documento histórico de incalculable valor. Las figuras se recortan sobre un lujoso fondo dorado. Se representa la advocación mariana de la Virgen de la leche. María aparece sentada, envuelta en un espléndido manto bordado, sosteniendo sobre su regazo al Niño Jesús.

Éste es amamantado, mientras gira el rostro hacia el espectador, al igual que hace su Madre; como si quisieran entablar un diálogo con el fiel y hacerle partícipe de la intimidad familiar. En los laterales se distribuyen cuatro esbeltos y bellos ángeles, dos a cada lado, flotando en el espacio, adorando al Niño Dios y a la Virgen María. El retablo fue costeado por el rey Enrique II de Castilla y su mujer Juana Manuel. En esta tabla están presentes varios escudos del reino de Castilla y León y de la casa de los Manuel. A los pies de la Virgen y el Niño, encontramos las figuras de los donantes arrodillados y con las manos juntas, en actitud de plegaria. Aparecen representados a una escala más reducida que las sagradas imágenes, como signo de humildad. A la izquierda se sitúan el rey Enrique II de Castilla junto a su hijo, el futuro Juan I de Castilla. En el extremo derecho de la tabla aparece la reina Juana Manuel y una de sus hijas.

¿Existe alguna otra obra gótica digna de mención?

Vamos a pegar un salto en el tiempo para situarnos en la segunda mitad del siglo XV. Una de las tablas imprescindibles, de las que dejan prendado al visitante por su belleza, es, sin duda, el Santo Domingo de Silos entronizado como obispo, salida de los pinceles de Bartolomé Bermejo. Está datada, aproximadamente, entre 1474 y 1479 y la podemos encuadrar en lo que se conoce como estilo hispano-flamenco. Bermejo creó escuela en Aragón, fue maestro de maestros. Se trata de la tabla central del retablo mayor de la Iglesia de Santo Domingo de Silos de Daroca (Zaragoza). La composición presenta un carácter marcadamente piramidal. Se representa al santo vestido como obispo, no como abad de Silos, y revestido de pontifical. Domingo se presenta ante el espectador en toda su magnificencia, como un ejemplo vivo de la pompa y el boato del que se reviste la Iglesia. Viste casulla y sobre sus hombros descansa la capa pluvial, con una cenefa ricamente labrada, en la que se bordaron imágenes de los santos que contaban con mayor devoción en la localidad; aparece tocado por una mitra y sujeta entre sus manos un libro abierto. La presencia de un precioso báculo, de formas afiligranadas, es otro signo de su poder. El trono, de un inconfundible estilo gótico, rematado por pináculos, se ornamenta con las figuras policromadas de las Siete Virtudes.

Por su parte, la imagen del santo es de una gran rotundidad; aparece colocado en una postura frontal, con la mirada fija en el espectador; su rostro presenta contrastes lumínicos que le confieren un gran realismo. En cuanto a la técnica se refiere, el pintor hace un alarde de su maestría a la hora de reproducir las calidades táctiles de los objetos: las transparencias y veladuras de los tejidos, la riqueza de las sedas y oros con los que han sido confeccionados los ornamentos litúrgicos, el brillo de las joyas, el minucioso brocado de la capa… También demuestra un gran dominio de los efectos del claroscuro. Se utiliza, de forma generosa, el pan de oro, para conferir a la composición una mayor riqueza. No podemos dejar de referirnos al espectacular marco, que es el original, con sus caprichosas y alambicadas formas góticas. Sin duda, se trata de una obra maestra que está a la altura de las mejores tablas flamencas.

El pintor palentino Pedro Berruguete es otro de los grandes artistas que trabajaron en las postrimerías del siglo XV. El Prado cuenta con un excelente conjunto de tablas de este autor. He escogido una que está datada entre 1493 y 1499 y que se titula Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán. Procede de la sacristía del Convento de Santo Tomás de Ávila. Podemos calificar esta obra como de transición; entremezcla elementos típicamente góticos, propios del estilo hispano-flamenco, con otros aspectos que anuncian la llegada del renacimiento. Todavía recurre al lenguaje medieval, representando a los personajes de rango más elevado con un tamaño mayor, como el propio Santo Domingo de Guzmán; por el contrario, los herejes albigenses aparecen empequeñecidos, quedando patente su inferioridad moral. Sin embargo, el autor acepta los presupuestos del renacimiento, demostrando un cierto dominio de la perspectiva, recurriendo para ello a la utilización de elementos arquitectónicos. También combina acertadamente los efectos de luces y sombras. Santo Domingo fue el fundador de la orden de predicadores; se le representa sentado sobre un rico trono con un nimbo coronando su cabeza y tres flores de lis.

Fue el encargado de presidir el auto de fe contra el hereje Raimundo. Este suceso ocurrió en el siglo XIII pero los personajes que aparecen en la escena visten a la moda de finales del siglo XV, época en que reinaron los Reyes Católicos. Seguramente, Berruguete se inspiró en algún auto de fe acaecido en el período en que le tocó vivir. En el centro de la composición, encontramos un trono con dosel amarillo, levantado sobre un basamento. Junto al santo protagonista, en este espacio de honor, se distribuyen seis magistrados, tres a cada lado, cómodamente sentados, conversando entre ellos. Como dato anecdótico, en la grada inferior y a los pies del santo, uno de los jueces dormita plácidamente, ajeno a las preocupaciones que conlleva el proceso. Los oficiales encargados de leer las sentencias permanecen de pie. Junto a las escaleras de la tribuna, un dominico comunica al hereje Raimundo que su pena ha sido conmutada, salvará su vida; el procesado se ha despojado del capirote pero sigue vistiendo el sambenito amarillo. La perspectiva es baja, quedando reflejado en la composición el pronunciado desnivel del terreno. En la lejanía, en la zona izquierda de la tabla, se levanta un pequeño tablado, sobre el que se apiñan los oficiales y los condenados. En el plano bajo de la derecha, muy cerca del espectador, se erige un pequeño estrado de piedra que hace las veces de cadalso para la ejecución de las sentencias. Aparecen dos condenados desnudos, atados a un poste y sufriendo el castigo del fuego; por el suelo se distribuyen las maderas que se utilizarán como combustible. Dos de los herejes visten capirote y sambenitos, símbolos de su pecado. La presencia de soldados, a caballo y a pie, aporta movimiento a la escena. Casi invisibles, bajo el tablado de madera, se sitúan los espectadores que contemplan atónitos la ejecución de los reos.

Otro de los grandes maestros de la pintura, activo a finales del siglo XV, fue Fernando Gallego.

Así es y una de sus obras más bellas es, sin duda, la que se titula Cristo bendiciendo, fechada en 1496. Procede de la iglesia de San Lorenzo de Toro (Zamora). Esta tabla la podemos encuadrar en el estilo hispanoflamenco castellano. El espectacular marco de madera dorada, de elaboradas formas góticas, se confunde con la pintura de la tabla, entremezclándose con el bello fondo arquitectónico que se representa en la composición. El artista dibuja esbeltos arcos apuntados, sujetados por columnas irisadas, que sirven de puntos de fuga, creándose así la ilusión de perspectiva; también utiliza el ajedrezado del suelo para dar la sensación de profundidad. Sobre una plataforma con dibujos de taracea, se levanta un trono gótico de madera sobre el que se sienta el Señor. Al fondo, podemos admirar un dosel, de rico brocado y reflejos dorados, que añade una nota de suntuosidad y elegancia a la escena. En primer plano y en el centro, aparece Cristo como Salvador del Mundo, bendiciendo a la humanidad.

Es una figura de una rotundidad escultural, majestuosa y solemne, que nos transmite una gran serenidad y paz. El pintor lo representa como a un hombre joven, de rasgos equilibrados, larga y ondulada cabellera, barba dividida en dos y con una mirada profunda y conmovedora. Su cabeza aparece inclinada hacia la derecha y el pie izquierdo, desnudo, adelantado; posiblemente el autor quiera romper la frontalidad de la composición y dotar de un mayor dinamismo a la escena. Para impartirnos su misericordiosa bendición, Cristo eleva la mano derecha, con los dedos índice y corazón juntos. En la mano izquierda, porta una esfera de cristal, símbolo del universo sobre el que reina, y que aparece rematada por una estilizada cruz de coral. El pintor demuestra su gran maestría y virtuosismo al diseñar los ropajes de Cristo. La túnica ha sido confeccionada con una espléndida tela, con brocados de grana y oro. El manto, de tono carmín, se sujeta por medio de un espectacular broche de rubí. Los tejidos se pliegan formando amplios ángulos quebrados, al gusto de la pintura flamenca. En los cuatro ángulos de la tabla se distribuye el Tetramorfos, los cuatro evangelistas representados por sus símbolos: el águila de San Juan, el león de San Marcos, el ángel de San Mateo y el toro de San Lucas. Flanqueado a Cristo, en los brazos del sillón y dibujadas a una escala menor, se representan las alegorías de la Iglesia y la Sinagoga. La Iglesia triunfante, a la derecha del Señor, encarnada en una joven muchacha, porta el estandarte de la Victoria y el cáliz con la Eucaristía, aparece cubierta con un manto rojo. Frente a ella, a la izquierda, contemplamos a una anciana a punto de caerse, sujetando una bandera rota y las tablas de Moisés; se trata de la Sinagoga, que viste de amarillo, el símbolo de envidia y la iniquidad.

Dejemos la Edad Media para adentrarnos en el renacimiento español, un momento de la historia en el que florecen las artes y las ciencias. ¿Cuáles son los artistas más destacados de este período con presencia en el Museo del Prado?

Comenzaremos por nombrar a Juan de Flandes, un artista de origen flamenco que difundió en Castilla el arte renacentista y fue pintor en la corte de Isabel la Católica. El Museo del Prado dispone de varias tablas suyas; hemos escogido la que se considera su obra maestra, la Crucifixión, que procede del retablo mayor de la catedral de Palencia. Ingresó en el museo en 2005, como consecuencia de una dación por impuestos. Está datada entre 1509 y 1519. La técnica que utilizó el pintor fue el óleo sobre tabla. La escena se contempla desde un punto de vista bajo, con el fin de que el espectador se sitúe al mismo nivel que los protagonistas de este pasaje evangélico; de esta manera, el fiel participa de una manera más directa en el drama de la Pasión. Presidiendo la composición, encontramos a Cristo crucificado; a su alrededor se distribuyen, en semicírculo, el resto de los personajes. Como paisaje de fondo, al atardecer, divisamos una tierra seca y áspera que nos recuerda a las llanuras castellanas por su color parduzco. En un cielo crepuscular surge una gran nube oscura y amenazadora, que oculta parcialmente la luna y el sol, una reminiscencia de las tinieblas que envolvieron la tierra cuando falleció el Redentor. En la lejanía divisamos a un grupo de aves, con sus siluetas sombrías, flotando en el aire como símbolo de muerte. El autor demuestra un gran dominio de la perspectiva; para ello utiliza con profusión la línea recta en un formato apaisado. Introduce elementos de una marcada verticalidad como la cruz, la lanza del soldado o las estructuras arquitectónicas.

Se observa cierta influencia del arte italiano, sobre todo de Mategna. De este pintor, el Prado posee una tabla en la que se representa el Tránsito de la Virgen. La mirada del espectador se dirige al Cristo clavado en la cruz con tres clavos, según la norma establecida en el siglo XIII. Su cuerpo, ya cadáver, muestra una gran rigidez, no aparece flexionado. Para compensar el hieratismo de la sagrada imagen, el autor nos presenta un paño de pureza en movimiento, con numerosos pliegues y flotando en el aire. La filacteria que corona la cruz dibuja una diagonal, rompiendo así la frontalidad con la que el artista representa a Cristo. El rigor mortis ha hecho acto de presencia, el tono de su piel ha adquirido el característico color cerúleo; de la herida del costado, producida por la lanzada, mana abundante sangre; la cabeza, inclinada hacia la derecha, todavía tiene incrustada la corona de espinas. En el centro de la imagen y en primer plano se hace referencia a una antigua leyenda, según la cual Adán fue enterrado en el monte Gólgota; una calavera y un fémur son los símbolos de esta tradición. Encontramos más restos humanos esparcidos por el suelo.

A la derecha del crucificado se distribuye el grupo formado por la Virgen María, las santas mujeres y San Juan. Observamos sus rostros compungidos, de una palidez marmórea; el llanto por el Redentor y las oraciones se entremezclan; los personajes no se relacionan entre sí, cada uno está encerrado en su propio dolor. La Madre de Dios aparece en primer plano, sentada sobre una roca, transida de pena y envuelta en un manto oscuro de amplios y pesados pliegues. A la izquierda de Cristo, se disponen tres personajes, que contemplan atónitos al ajusticiado; se han convertido a la verdad, ya son plenamente conscientes de que aquel hombre era verdaderamente el Hijo de Dios. Tanto el centurión como el soldado que clavó la lanzada en el costado de Cristo aparecen montados a caballo y de frente al espectador. En el extremo de la tabla, de espaldas, aparece otro soldado, vistiendo una brillante armadura. Juan de Flandes demuestra carecer de conocimientos históricos, su representación es anacrónica. Los tres militares visten según la moda de principios del siglo XVI y no como lo hacían los romanos de los tiempos de Cristo. La finalidad última de esta obra es conmover al espectador, tocar su fibra sensible ante el misterio de la Redención.

Fernando Yáñez de la Almedina introduce en Valencia y en Castilla el renacimiento pleno, la estética del cuattrocento italiano. Al parecer, este artista estuvo vinculado profesionalmente con Leonardo da Vinci, con quien colaboró en su taller. En el Museo del Prado, desde 1946, se custodia una de las más preciadas obras del renacimiento español: Santa Catalina, fechada hacia 1510. Al contemplarla, el visitante se percata de la monumentalidad con la que el autor diseñó la imagen de la santa; ésta se nos presenta de cuerpo entero, como única protagonista de la escena, y aparece magistralmente iluminada. Al mismo tiempo, es una figura delicada, de una sutileza exquisita y marcada verticalidad. Catalina de Alejandría fue una joven princesa del siglo IV, hija del rey Costo, profundamente religiosa, además de virtuosa y sabia. Se negó a contraer matrimonio con el emperador Maximiliano y a consecuencia de ello sufrió martirio y acabó decapitada.

Inicialmente, esta obra estuvo atribuida a los pinceles de Leonardo da Vinci por su perfección técnica. Como decorado de fondo, con el fin de dotar a la composición de profundidad y perspectiva, encontramos una construcción de gusto clásico, con un claro predominio de las líneas rectas. Sobre la cornisa, hallamos una serie de objetos que hacen referencia a las cualidades de la santa: un libro abierto, símbolo de la sabiduría y sobre éste la palma del martirio. En el otro extremo del pretil, una corona de oro, con formas afiligranadas y piedras preciosas engarzadas, hace alusión al linaje real de Catalina. En el primer plano de la composición, surge majestuosa la imagen de la joven, de una hermosura deslumbrante: su piel nacarada y tersa; la mirada baja, como signo de humildad; esbozando una media sonrisa, una clara alusión al mundo de Leonardo; su cabellera rubia aparece parcialmente cubierta con un velo de suave tejido…La posición de los brazos dotan de cierto movimiento a la escena. Con la mano izquierda se levanta delicadamente el manto, mientras que con la derecha sujeta la espada, signo de su martirio, al igual que el fragmento de rueda dentada que aparece en el suelo. Yáñez demuestra un gran dominio técnico al reproducir los suntuosos ropajes con los que se viste la santa. Pinta con esmero las calidades de los elegantes tejidos, muy de gusto italiano, con los que aparece ataviada Catalina. En la zona del escote encontramos tules con sutiles transparencias. El sombreado, producido por los pliegues angulosos de las telas, proporciona a la figura un cierto aire escultórico, dotándola de mayor volumen. De gran originalidad es la presencia de letras cúficas en los vestidos que evocan el mundo morisco. La santa aparece ricamente enjoyada, adornada con perlas y piedras preciosas.

El toledano Juan Correa de Vivar es otra de las figuras señeras del renacimiento español.

El museo cuenta con casi cuarenta obras de este pintor. En el Retablo de la Anunciación, fechado en 1559, podemos admirar sus excelentes cualidades artísticas. Procede del monasterio abulense de Guisando y es una obra de madurez, de su producción tardía. En la tabla central se narra con exquisita delicadeza un pasaje transcendental del Evangelio de San Lucas: el arcángel Gabriel anuncia a María que ha sido elegida para concebir en su vientre al Hijo de Dios. Estilísticamente hablando, esta obra se encuentra en la órbita del Manierismo. Para representar a las figuras humanas, el artista recurre a un canon muy alargado, dotándolas de movimientos agitados. El arcángel aparece en una postura forzada e inestable, un tanto artificiosa. Despliega en el aire una filacteria con el saludo divino a María; sus vestiduras, de suaves tonalidades, se agitan violentamente; contorsiona su cuerpo hacia adelante y flexiona las piernas, mientras sus pies flotan sobre una nube baja.

La paleta que utiliza el pintor es de una gran riqueza cromática, con colores tornasolados y vivos, muy del gusto manierista. Podemos distinguir dos planos: el terrenal y el celestial. En una suntuosa estancia se encuentra María leyendo un libro piadoso, que está apoyado sobre una lujosa mesa. Inesperadamente, irrumpe el arcángel Gabriel en la habitación. La que será Madre de Dios se gira hacia éste, sobrecogida ante esta visión celestial, inclina humildemente la cabeza mientras mueve delicadamente las manos. La perspectiva de la escena es un tanto forzada; las líneas del suelo funcionan como puntos de fuga. En la zona baja, en el centro de la composición, encontramos un jarrón con azucenas, cómo símbolo de pureza virginal de María. Al fondo, creando perspectiva, se dispone el elegante dosel de la cama. En la zona superior izquierda, encontramos lo que se conoce como “rompimiento de gloria”. Dios Padre, aparece como una figura en escorzo, rodeado de nubes y angelitos. Flotando en el espacio, encontramos al Espíritu Santo en forma de paloma. El misterio de la Encarnación del Hijo de Dios está a punto de suceder.

Flanqueando la tabla central, podemos contemplar los dos batientes o puertas de cierre. En ellos encontramos las figuras de San Esteban y San Lorenzo; se les reconoce perfectamente por sus atributos: la palma del martirio de San Esteban y la parrilla de San Lorenzo. Estos santos aparecen representados de manera magistral; el autor emplea una riquísima paleta de colores, llena de matices, que nos remite al manierismo rafaelesco. Correa de Vivar se recrea en el detalle, reproduciendo minuciosamente el bordado de las casullas o los cabellos de los personajes. Cuando se cierran los batientes, el espectador puede contemplar las imágenes de San Hilario, vistiendo un hábito marrón y en una postura un tanto serpenteante, y la representación de la Imposición de la casulla a San Ildefonso.

Juan de Juanes, cuyo nombre real era Vicente Juan Macip, está considerado como uno de los grandes artistas del Prado.

Pertenece a la escuela valenciana renacentista. Fue hijo y discípulo del insigne pintor Juan Vicente Masip, del que cuelgan algunas tablas en el museo. La representación de la Última Cena es, desde mi punto de vista, su obra cumbre. Está fechada entre 1555 y 1562. Tras la Contrarreforma, desde las instituciones religiosas se promueve la exaltación de la Eucaristía en las artes. Este trabajo se lo encargaron al pintor para que formara parte del retablo mayor de la iglesia de San Esteban en Valencia. El Prado conserva otras cinco tablas pertenecientes a dicho retablo; en ellas Juan de Juanes narra episodios de la vida de San Esteban, primer mártir que dio su vida por Cristo. Siempre se ha relacionado esta pintura con la celebérrima obra de Leonardo da Vinci del mismo tema; el pintor valenciano también recurre a la inclusión de fondos arquitectónicos en la composición para crear la ilusión de perspectiva. Podemos apreciar un arco central, tras el cual se divisa un evocador paisaje crepuscular, de formas difuminadas, que confiere profundidad a la escena. En los extremos cuelgan dos pesados cortinones verdes que añaden una nota de color al escenario.

También el diseño del suelo, con dibujo de damero y líneas que confluyen en el horizonte, contribuye a que percibamos esa tercera dimensión. En la zona baja central de la composición, hallamos una jarra y una jofaina de metal, que reflejan la luz y hacen alusión al lavatorio de los pies. Los comensales se distribuyen en torno a una mesa rectangular. Encima de ésta se disponen una serie de objetos y alimentos: trozos de pan, cuchillos, una bandeja plateada, un recipiente con sal, una jarra de cristal transparente con vino…Mención aparte merece el Santo Cáliz. Se trata de una fiel reproducción del grial que se conserva en la Catedral de Valencia y que, según recientes estudios, pudiera tratarse del que utilizó Cristo en la Santa Cena. Nos da la sensación de que el pintor ha recurrido a todos estos elementos para incluir un bodegón o naturaleza muerta dentro de la composición general. La paleta cromática que emplea el artista es rica en matices; el vibrante colorido de la escena y el cuidado dibujo nos remiten a la pintura de Rafael. Juan de Juanes representa el acontecimiento más transcendental en esta Sagrada Cena: la instauración de la Eucaristía por parte del Señor.

En el centro aparece Cristo, levantando la Sagrada Forma; su mirada, serena y profunda, nos transmite una sensación de paz interior. En torno al Redentor, se distribuyen los doce apóstoles, cada uno con sus nimbos y nombres, con la excepción de Judas. San Pedro y San Juan se sitúan al lado del Maestro, en un lugar preferente; estos tres protagonistas de la escena forman una estructura triangular. De gran interés son las expresiones místicas de los distintos apóstoles; cada uno de ellos recibe un tratamiento individual. Con el movimiento de sus manos y a través de la expresión de sus rostros comunican al espectador sus emociones, próximas al éxtasis religioso. En un extremo de la mesa, se sitúa Judas Iscariote, alejado del Señor, en un escorzo forzado; su nombre figura en la banqueta en que se sienta. Viste los colores de la envidia, el verde y el amarillo. Intenta esconder la bolsa que contiene el dinero de su traición; su cabello pelirrojo y la nariz prominente también simbolizan la perfidia.

El extremeño Luis Morales, apodado el Divino, por su dedicación exclusiva a los asuntos religiosos, es otro de los pintores más sobresalientes del renacimiento español.

Posee un estilo artístico inconfundible. Lo podemos encuadrar dentro del movimiento manierista; suele utilizar un canon muy alargado a la hora de representar las figuras humanas, como si quisiera remarcar la espiritualidad de las mismas. También recurre con frecuencia a la técnica del esfumado, inventada por Leonardo da Vinci; los personajes de Morales presentan unos contornos imprecisos y difuminados. En 2015 se celebró en el Prado una exposición antológica del pintor. Nuestra primera pinacoteca nacional cuenta en su inventario con aproximadamente una veintena de obras de este autor. Como ocurre siempre, me ha resultado complicado escoger una sola de sus pinturas. Al final he optado por una de las más reconocidas, imagen arquetípica en su producción. Me estoy refiriendo a La Virgen con el Niño, fechada hacia 1565. El artista recurre a una composición de tipo piramidal; nos presenta la figura de María, de tres cuartos, con la cabeza inclinada y las rodillas separadas, acogiendo en su regazo al Niño Dios.

Los contornos de las sagradas imágenes son imprecisos, se confunden con el fondo negro, de total oscuridad. Prescinde de cualquier referencia espacial, reduciendo a la mínima expresión los elementos representados, tan solo aparece un banco de piedra de forma alargada. Observamos fuertes contrastes lumínicos que ayudan a crear una atmósfera intimista. La Virgen, de suave rostro, dirige la mirada a su hijo, con una ternura infinita, conocedora de su naturaleza divina. Es muy habitual que en las obras de Morales aparezcan delicados velos; en este caso, la cabeza de María aparece cubierta con un tul transparente, casi imperceptible, un auténtico alarde de su dominio técnico. Sobre su vestido carmín, descansa una capa azul, color que se asocia a la pureza virginal. Con sus manos sujeta al Niño, estrechándolo amorosamente entre sus brazos. El infante reclama la atención de María, la mira con ternura mientras palpa con su diminuta mano el pecho de la madre, buscando el alimento. Morales recurre a un diálogo de miradas para conferir a la escena una mayor intimidad. Se trata de una variante del tema de la Virgen de la Leche.

Como colofón de esta selección de pinturas del renacimiento español, ¿podría analizar alguna de las muchas y magistrales obras que se conservan en el museo de Doménikos Theotokópoulos, más conocido como el Greco?

Este artista, reconocido en todo el mundo, cuyo nombre figura con letras de oro en el inventario de la pinacoteca madrileña, nació en la isla de Creta, en donde vivió hasta los 26 años. Después, viajo a Italia, concretamente a Venecia y Roma, y descubrió a los grandes artistas del renacimiento, como Tiziano, Tintoretto y Miguel Ángel. A partir de 1577, se estableció definitivamente en Toledo. Por su estrecha vinculación con nuestro país, se le encuadra dentro de la escuela de pintura española. El Cristo abrazado a la cruz que se expone en el Prado es uno de los lienzos más bellos que pintó sobre este tema; existen diversas versiones, unas salidas directamente de las manos del cretense y otras identificadas como obras de taller. Este óleo ha sido fechado hacia 1602, coincidiendo con la etapa final de la carrera del pintor. Al Nazareno se le representa como una figura de tres cuartos, recortándose sobre un fondo de tinieblas grises, sin ningún tipo de referencia arquitectónica o espacial. El espectador lo contempla desde un punto de vista bajo; de esta manera, se refuerza la monumentalidad de Cristo. El artista utiliza un canon alargado, con el fin de dotar a la imagen del Señor de una gran carga de misticismo y espiritualidad. Se trata de una composición de marcada verticalidad; todo lo representado en este lienzo nos invita a elevar la mirada hacia los cielos, toca nuestra fibra más sensible. De nuevo recurre al lenguaje manierista, tan presente en la obra de El Greco. La cruz aparece en una posición casi erecta, ligeramente inclinada, sujetada de una manera amorosa por Jesús.

Las manos alargadas del Nazareno, de una blancura casi nacarada, con los dedos anular y corazón juntos, nos recuerdan a las del Caballero de la mano en el pecho, uno de los iconos del museo. El rostro de Cristo es sumamente delgado, demacrado, propio de un asceta, de una palidez extrema. El espectador más sensible se conmueve al contemplar esos ojos humedecidos, con una mirada serena, ascendente, que establece un diálogo espiritual con el Padre que está en los cielos. El artista reproduce la corona de espinas con un gran detallismo y minuciosidad, recreándose a la hora de dibujar el complejo trenzado de las ramas; la presión que ejercen las espinas han provocado numerosas heridas en la cabeza de nuestro Señor, algunas gotas de sangre se deslizan por su cuello. Para remarcar aún más la naturaleza sagrada del Nazareno, el pintor sitúa detrás de la corona de espinas un nimbo romboidal, muy luminoso. En cuanto a la vestimenta se refiere, el cretense opta por los colores clásicos con los que se representa a Jesucristo: el rojo para la túnica y el azul para el manto.

Por Javier Navascués

Cristobal Marchal es un padre de Torredonjimeno, la mayor parte de su vida ha trabajado como autónomo en la hostelería, en la actualidad trabaja como peón en una fábrica del sector del automóvil. Dedica todo su tiempo libre a luchar por su hija y ayudar a otras personas en situaciones parecidas a la suya. El se define con las palabras que utilizó su difunta esposa en sus declaraciones judiciales: “Es un buen padre, un buen marido, honrado y trabajador.”

En esta entrevista cuenta su caso al detalle y por qué, tras ser acusado falsamente de malos tratos y ante la impotencia de no poder ver a su hija, decide empezar una huelga de hambre el próximo 9 de enero.

¿Por qué decide hacer la huelga de hambre y que día empieza?

Mi decisión es porque después de 1600 días (4 años y 4 meses) ninguna institución pública me ha escuchado.

Empezando por mi pueblo, Torredonjimeno, Jaén. Donde los dos últimos alcaldes se han limitado a darme una palmadita en la espalda, decir que me creen y apoyan, pero que no pueden hacer nada. Y sabían mi historia, pues antes de ser alcalde uno de ellos se interesó por mí y sabía que me querían quitar a mi hija a base de denuncias falsas. También una concejala que trabajaba conmigo y sabía mi historia, ahora esta señora es parlamentaria en la junta de Andalucía, ni se interesó por mi caso de concejala y de parlamentaria ya menos.

Sin embargo estas personas defendían públicamente a la delincuente Juana Rivas poniendo carteles por todo el pueblo.

Mi propia abogada, la que me facturaba por defenderme, me dejó tirado después del informe falso del equipo de tratamiento familiar de Torredonjimeno. Me insultó en redes sociales diciendo. “Estos señores que van de victimas de la livg tal vez haya que calificarlos de maltratadores”. Solo por compartir el documental “Silenciados, Cuando los maltratados son ellos” de Nacho Gonzalez. Yo le pido públicamente a esta mi exabogada que haga pública la sentencia que me tacha de maltratador.

Ya socialmente estaba destrozado. Pero el amor hacia mi hija era superior a todo. Seguí yendo a Servicios sociales, ahora con todo el expediente se que me mintieron, y que la decisión de quitarme a mi hija estaba tomada hace tiempo.

Ha hablado con la Delegada de Iguladad y Asuntos Sociales Teresa Vega y no le ha escuchado.

A través de mis abogados enviamos tres escritos a la junta de Andalucía. Todos debidamente sellados y no han contestado a ninguno. He estado en la fiscalía general del estado. En el Ministerio de Igualdad, en la sede del Psoe en la calle Ferrán de Madrid. He hablado con medios de comunicación comarcales y locales. Me han ignorado totalmente. Desde septiembre del 2016 hasta septiembre del 2017 estuve yendo a hablar con el Equipo de Tratamiento Familiar del Ayuntamiento de Martos, pues mi hija después del falso desamparo que dictaron contra mí, se fue a vivir con la familia materna a dicho pueblo, distante 8 km de donde yo vivía Torredonjimeno.

Ellos le decían que mi hija no le quería ver.

Algo que yo sabia que era imposible. Ese año estuvieron trabajando con mi hija para “adaptarla a la perdida de las figuras paternas”. No solo me condenaron a mí, sino a mis padres a mis sobrinos y a mi hermana. Y sobre todo a mi hija, su madre se la quitó un maldito cáncer y a su padre el cáncer social de la corrupción. ¿Quiénes son SSCC para dictar sentencias tan importantes para la vida de una menor por encima de las decisiones judiciales e informes que me avalan como un buen padre?. En un estado de derecho no soy yo quien tengo que demostrar que es falso lo que dicen SSCC, sino ellos tienen que demostrar que es verdad lo que dicen. Y no hay ninguna prueba de que sean verdad sus informes.

Según Elena Rabane, exmagistrada y abogada, cada niño declarado en desamparo son 68000 euros, mas, entre 4000 a 9000 euros mensuales de subvención. También Consuelo Garcia Del Cid en su libro “El desmadre de los Servicios Sociales” denuncia esta situación. Enrique Martinez Reguena, filósofo, psicólogo y pedagogo que ha trabajado 50 años con menores en riesgo de exclusión, denuncia el negocio de los niños tutelados por la administración. Hoy en día gracias a una diputada de Vox ha llegado este tema al Congreso. La hermana de mi mujer que es una de las personas que le ha metido odio a mi hija en contra de su padre y toda su familia paterna la tiene en Acogimiento familiar, que va subvencionado entre 350 euros a 600 euros mensuales, más 200 euros de orfandad de mi hija. Esta señora que no ha cotizado nunca a la Seguridad Social se encuentra con 800 euros mensuales para cuidar a mi hija. Y a mí me la quitan entre otras cosas, pues según el informe que leas, cada uno pone una causa diferente por el desamparo, porque trabajo mucho y no me puedo ocupar de ella.

El Alcalde de Martos no quiere recibirle.

Llevo dos años intentando que me reciba, pues los servicios sociales de Martos dependen directamente del Ayuntamiento y subvencionados por este con 3 millones de euros, según información publicada en el periodico local “VivirMartos", incluso me esquiva cuando me ve en el Ayuntamiento. A fecha de hoy estamos esperando respuesta de un escrito presentado por el Movimiento Femenino por la Igualdad, la Señora María del Carmen como presidenta y Antonia Alba como abogada de la Asociación han pedido cita por escrito para reunirse con el señor Víctor Torres, Alcalde de Martos. A día de hoy no he recibido respuesta. Todo esto me ha llevado a la decisión de tener que arriesgar mi salud para luchar por el derecho a mi hija de tener padre y mi derecho y obligación a educarla sin interferencias de la familia materna. Pues lo único que hacen es darle una educación laxa y malmeterle contra su familia paterna. Criterios que yo como padre no acepto.

Así que me veo en la tesitura de empezar una huelga de hambre y sed el día 9 de enero a las 12:00 horas del medio día en la entrada del parque de Martos. Uno de los lugares mas concurridos de la localidad, donde resido actualmente y vive mi hija.

Tengo que decir públicamente que es decisión mía, las asociaciones que me apoyan lo primero que intentaron, al enterarse de lo que iba a hacer, es disuadirme de mi actitud. Viendo que mi decisión esta mas que meditada y decidida, han decidido apoyarme. Desde aquí les doy humildemente las gracias.

¿Hasta cuando piensa llegar?

Hasta que la salud aguante. O alguien con competencia en la situación de mi hija me escuche. Entonces la suspenderé y si no llegamos a un acuerdo, volveré a la huelga de hambre y sed.

¿No teme por su salud o por su vida?

Lo único que temo es por el daño que le están haciendo a mi hija, inculcándole odio hacia su familia paterna. Y como afectará esto a su vida. Aquí la victima no soy yo es mi hija.

¿Hay que estar muy desesperado por llegar a esta situación?

Yo no diría desesperado, diría impotencia. La administración me provoca constantemente. No escuchándome y no contestando a mis escritos. Buscan que haga alguna barbaridad para así poder justificar ellos el hecho de separarme de mi hija. Lo que voy a hacer de la huelga de hambre y sed está meditado desde el día que empecé a contar en Facebook los días sin mi hija. Uno a uno he contado 1582 días sin mi hija. Con sus horas, minutos, noches en vela, visitas a urgencias por ataques de ansiedad… Si esto no es violencia que me lo expliquen que es.

Su testimonio es un grito desgarrador de denuncia a lo que está pasando en España.

Solo soy un padre que lucha por su hija. Mi lucha está por encima de ideologías. Si alguien utiliza mi caso para denunciar esta falsa igualdad y estas injusticias de genero, para mi será un honor.

Desde aquí invito a todos los afectados a que alcen la voz. La mejor defensa contra las denuncias falsas de violencia de genero es poner en evidencia a la denunciante. Coge tu cámara, graba un vídeo y cuenta tu situación en redes sociales.

4 años sin escuchar ninguna respuesta de la administración pública son muy largos…

Sí, pero lo mas largo fue el primer año callado, por el bien de mi hija. Me despertaba por las noches escuchando la voz de mi hija y cuando me daba cuenta que no estaba, sufría ataques de ansiedad, muchas noches tenía que venir el medico de urgencias. Esto lo conté en círculos neofeministas de Torredonjimeno y provocaba risas.

Sin entrar en temas políticos todos sabemos que hay determinadas ministras que piensan que los hombres no sufrimos, somos malos por ser hombres, machistas por naturaleza, presuntos violadores y eso es muy grave por que la justicia actúa así. Solo por ser hombre pierdes la presunción de inocencia y el derecho a defenderte.

Que nadie se alarme cuando digo que no tenemos derecho a defendernos. El Juzgado de primera instancia Nº 6 de Jaén con el juez, señor Miguel Ortega Delgado, no aceptó ni siquiera que probásemos la inculcación maliciosa a la que la menor había sido sometida por la familia materna y el daño que esto le produce a corto y a largo plazo. Si acepto un informe de la de Delegación de Igualdad donde dice que “he sido denunciado por violencia de genero". Cierto, pero no dice dicho informe que todas las denuncias fueron archivadas. ¿Como un juez puede admitir este informe donde da una información sesgada? Es como si en España hubiera mucho interés en fabricar maltratadores, y mi caso no es aislado, hay muchos más de lo que la sociedad se atreve a admitir.

Pero es más, permitió que la administración, sin escuchar ni tener en cuenta para nada a su padre, saltándose todos los procedimientos y los trámites fundamentales que me habían causado indefensión y en base a unos informes emitidos por unos técnicos que ni siquiera los firman, que no están capacitados profesionalmente para emitir esos informes, que no se basan en pruebas psicométricas objetivas, sino solo con lo que a ellos les parece, la niña continúe con quien le está haciendo daño en contra de su padre que la quiere muchísimo y santificando la tropelía que ha causado la Administración conmigo y con mi hija.

Se ha dado la circunstancia de que la niña pidió tener visitas conmigo y la administración no las autorizó, pero sobre todo, los ETFs trataron a mi hija para que se adaptara a la situación de haber perdido a su padre, como si yo hubiera muerto. Y todo ello porque me desecharon, con todo lo cañallesco que tiene la situación y encima el Juzgado les dio la razón.

Actualmente la sentencia dictada por el Juzgado de primera instancia está recurrida ante la Audiencia Provincial de Jaen, esperando que la justicia actúe y revierta esta situación tan tremendamente injusta y perjudicial para mi hija y para mí.

Por Javier Navascués

Amadeo Aureliano Valladares Álvarez, es maestro de artes marciales, empresario, servidor público y presidente fundador del movimiento cultural, social y moral Nuevos Tercios, del que es muy conocida y activa su división cultural (Idearium) (www.ideariumhispanidad.com) y juvenil (Cruzados). Es hijo del eminente científico humanista D. Ysidro Valladares Sánchez.

Su libro España, de reserva espiritual a albañal de Europa (SND) nos habla con mucha pasión de la grandeza de España y su decadencia actual. Un libro, especialmente dirigido a los jóvenes, que recopila a la perfección las palabras más enjundiosas de los sabios que nos precedieron, unificadas, armonizadas y proyectadas por las reflexiones del autor, que las vivifica y actualiza, haciéndolas presente permanente, activas e intemporales. También lo enriquecen las palabras de algunos autores coetáneos.

¿Por qué decidió escribir un libro sobre la grandeza y la actual decadencia de nuestra patria?

El libro es un ensayo histórico moral sobre España, con la característica singular del apoyo y aportación de la ciencia etológica al mismo. La obra es un impulso del alma por el dolor causado al ver a la patria ultrajada, envilecida por todos sus enemigos de siempre, hoy unidos en lo que se llama Nuevo Orden Mundial, y miserablemente abandonada por sus hijos, por aquella generación de estos a los que correspondía el honor y la satisfacción de su defensa, imbuidos en la falaz idea de la arcadia feliz de la democracia liberal, que asomaba con su luz magnánima en el horizonte de una nueva y renovada España, solaz de propios (los españoles) y extraños (las democracias liberales del mundo).

Nadie (casi nadie) parecía advertir que las aparentemente pequeñas renuncias a los valores y principios eternos y permanentes que conformaban la esencia social e individual de España, por cobardía, por miedo a ser rechazados y tachados de inmovilistas perversos, por abulia del alma adocenada en la comodidad de la moda, era el camino cada vez más amplio en el que se encaminaba la decadencia patria. Nuestra situación no es producto de un acaso repentino, sino nuestra posición en el camino progresivo de la degeneración.

Decía acertadamente D. Jaime Balmes, que la verdad es la vida de las sociedades, renovar y revitalizar el alma de España con ella, es recuperar la patria y la paz. El contraste entre la grandeza y la decadencia mostrado en la obra, es un medio para despertar conciencias, al menos la de los mejores.

¿Por qué está especialmente dirigido a los jóvenes?

Los jóvenes son el futuro de las naciones, someterlos a una doctrina perversa, es el triunfo del futuro para el tirano. Por eso la tiranía lo primero que hace para someter a una sociedad es manipular la historia, hasta que su invento justifique y sustente su aberración, y hasta (como hemos visto en “nuestra” democracia libérrima) hacen de ello ley.

Decía nuestro extraordinario mártir de la Hispanidad D. Ramiro de Maeztu, que la historia es el faro de la humanidad; es necesario recuperar esa luz, sacudir las tinieblas que la ocultan, para que los jóvenes puedan retomar el camino de la verdad y el bien.

¿Por qué no se puede comprender España sin su catolicidad?

La nación española, su cultura y moral, se forjó en el crisol del cristianismo, su antiguo y esencial estoicismo se suavizó e hizo uno con el cristianismo; tanto es así, que España, con sus santos y sus teólogos, se permitió afirmar y matizar el propio dogma.

La Hispanidad, el sentido español de la vida, la hidalguía, es Cristiandad con estilo propio. No se trata de ser piadoso y creyente, se trata de entendimiento. España no se puede entender sin ese sentido de trascendencia, desde una perspectiva estrictamente materialista. Quizá por eso tengamos hoy tanta confusión.

De hecho, se dice que en los tiempos que en España el Santo Rosario se solía rezar era España la dueña del mundo por tierra y por mar.

Las convicciones, las esencias nacionales y personales, no se pueden conservar y fortalecer sin maneras, sin protocolo, sin lo que nuestro genial D. Baltasar Gracián llamaría preservativos, es decir, lo que preserva la esencia. Cuando se pierden estas formalidades, las esencias quedan en carne viva y se dañan, se degradan.

Rezar el Santo Rosario no es solamente la simple manifestación de unas creencias y una tradición, las protege, las fortalece, las aclara, las difunde, y, entonces, esa convicción se hace parte del alma individual y colectiva de la nación.

Para finalizar, ¿Por qué el espíritu español está perfectamente reflejado en los Tercios?

Cuando España explosiona al mundo para evangelizar y llevar la buena nueva de que todos somos hermanos, de que todos tenemos voluntad para salvarnos o condenarnos, lo hace tras una Reconquista de casi ochocientos años, con insuficiente capacidad poblacional, con una mala economía, rodeada de enemigos, y con una patria aún por consolidar.

El gran secreto de su impar energía histórica, debemos estimarlo en las virtudes de la raza y la fortaleza en sus convicciones. Las virtudes de la hidalguía (rectitud, valor, cortesía, benevolencia, sinceridad, honor, lealtad, camaradería) se hicieron carne en nuestros invencibles y sorprendentes Tercios, y se manifestaron en sus triunfos y derrotas magníficas, en sus imposibles cotidianos, porque, para esos hombres, para aquella España, para España, lo extraordinario era lo cotidiano.

Por Javier Navascués

Recientemente hemos tenido que sufrir con dolor la abominable blasfemia de la vicealcaldesa socialista Sandra Gómez que repugna y escandaliza a muchos creyentes con su diabólica burla en Navidad a un hecho tan sagrado y algo tan digno de defender como la pureza y el buen nombre de nuestra Madre, María Santísima.

Esto no se puede tolerar más, estas energúmenas, mal llamadas feminazis, muy crecidas tras criminalizar y denigrar al varón con el beneplácito y apoyo del Ministerio de Igualdad, con el dinero de todos los españoles, se permiten el lujo de blasfemar contra lo más sagrado. España, Tierra de María Santísima, no merece que politicastras de tres al cuarto blasfemen ocupando un cargo público.

Por eso, el día posterior a los Santos Inocentes, cuya sangre angelical derramó herodes como la de millones de niños abortados en todo el mundo, sangre de la que hace bandera el feminismo, quiero hablar de la blasfemia y de su gravedad para que esta tipa medite la gran responsabilidad que tendrá el día del juicio si no se arrepiente públicamente y desagravia tan repugnante y ofensivo acto.

La Tradición de la Iglesia inmisericorde con el blasfemo no arrepentido

San Juan Crisóstomo afirma en las XXI Homilías de las estatuas I-12, p.28): “Si vieres a alguno que blasfema de Dios en la calle o en la plaza, acércate, repréndele: y si hay que aplicar (castigo) azotes, no rehúyas; abofetéale la cara, rómpele la boca, santifica tu mano con el golpe”.

Con la mentalidad irenista de nuestro siglo escandalizan estas palabras, tanto a los propios blasfemos, que están desatados y vomitan de su viperina boca todo tipo de ultrajes contra Dios y sus santos, como a los católicos light, que aunque saben que es algo monstruoso no tienen coraje para oponerse con contundencia a tales atropellos. Ya es hora de decir basta y parar los pies a los hijos de Satanás.

Hoy en día mucho se habla de los derechos del hombre, pero nadie habla de los derechos de Dios, porque Dios no está prácticamente presente en estas sociedad laicista. Ya es hora que los católicos nos pongamos firmes en defensa de sus derechos. Muy loable es la labor de Abogados Cristianos, que es la entidad que con más firmeza está actuando a este respecto.

Dios abomina todos los pecados; pero, especialmente, el de la blasfemia; porque, aunque todos ofenden a Dios, y ceden en deshonra del Señor, como dice el Apóstol: Per prævaricationem legis Deus inhonoras (Rom. II, 23), sin embargo, si bien los demás pecados le deshonran indirectamente, quebrantando su ley, la blasfemia le deshonra directamente, maldiciendo su santo nombre. Nihil ita exacerbat Deum, sicut quando nomen ejus blasphematur.

San Jerónimo nos enseña que cualquier otro pecado es leve, comparado con la blasfemia. Y aquí debemos advertir, que la blasfemia contra los santos y las cosas santas, como la Santa Misa, los sacramentos, los misterios, etc., son de la misma especie que las blasfemias contra Dios, que es la fuente de la santidad.

Muchos blasfeman contra Dios, otros, como es el caso de la infame Sandra Gómez, han blasfemado contra la Santísima Virgen María, Madre de Dios, que tanto nos ama, y que siempre está rogando por nosotros: sin embargo, alguno de esos hombres malvados han sido castigados terriblemente por Dios. Refiere Surio (en el día 7 de agosto) que un impío blasfemó de la Virgen, y en seguida hirió con un puñal su santísima imagen que estaba en una iglesia; pero, al punto que salió de allí, cayó un rayo y le redujo a cenizas. El infame Nestorio, que había blasfemado también y movido a otros a blasfemar de María santísima, diciendo que no era verdadera Madre de Dios, murió desesperado con la lengua comida de gusanos.

Por Javier Navascués

Raúl Eguía Recuero, feliz esposo y padre de 4 hijos, es miembro de la Comunidad Siervos de Cristo Vivo. Escritor. En está entrevista nos cuenta su apostolado y profunda experiencia de conversión, de hacer películas blasfemas a ser un gran apóstol de la Eucaristía.

¿Qué supone para ti poder dedicarte a la evangelización desde la fuerza sanadora que da Jesús Sacramentado?

Supone la felicidad total y el total descanso, porque Él hace todo, Él pone el querer y el obrar. “Sin Mí no podéis hacer nada” nos dice. Es impresionante ver como la presencia real de Jesús vivo y sacramentado transforma profundamente a las personas que se acercan a Él, sobre todo, a nosotros. Poder gastar la vida con mis hermanos llevando a las personas a beber a la Fuente que es Su Corazón Traspasado por Amor es un regalo gratuito y Gigante de Dios, que es tan bueno, que nos ama tanto a todos.

Venía de hacer cine en Estados Unidos, vivió mucho en el mundo, pero solo Dios llena, solo Dios basta.

Nada de este mundo puede llenar el corazón. ¡NADA! Sólo cuando uno descubre que es amado con un amor más fuerte que la muerte, que siempre perdona, que te ama gratuitamente aunque no te lo merezcas, que te ama aunque no tengas fuerzas, que siempre es fiel, solo en ese momento uno encuentra el descanso, la Paz, la alegría, el gozo. Es hermoso estar vivo y vivir con Él.

¿Cómo has experimentado en tu vida que Jesús está vivo y transforma?

Desde que el Señor me sanó y liberó a través de Nuestra Madre María de una adicción de más de 25 años, experimento diariamente mi pobreza y la inmensa riqueza de Jesús vivo, transformándolo todo. ¡Es un regalo inmenso! ¡Él está y está vivo acompañándonos! Lo veo en mi esposa, en nuestros pequeños, en nuestros hermanos de comunidad, en tantos que vienen rotos que Dios les da un nuevo comienzo, porque para Dios no hay NADA imposible. Regalo tras regalo, milagro tras milagro.

¿Cómo os ayuda la devoción a la Virgen a adorar a Dios?

¡No somos huérfanos de Madre! María Santísima, nuestra Madre, nos acompaña siempre. ¡SIEMPRE! Misión tras misión, instante a instante, para llevarnos a Jesús Vivo. Vivimos así, con María pegados a los sacramentos, a la Eucaristía y de ahí al mundo a llevar esa Agua Viva. Todo por María y con María a Jesús Vivo.

Él puede hacer santos a quienes se dejen transformar aunque hayan caído en todos los vicios y prácticas siniestras posibles…

No importa lo que hayas hecho, no importa toda tu miseria. Dios no tiene asco de ti, no tiene vergüenza de ti, solo quiere que te dejes abrazar por Él. Dios solo quiere ayudarte, que descubras que eres amado/a, solo quiere correr a ti, saltar a tu cuello, llenarte de besos y hacer una fiesta contigo, juntos. Nuestra miseria es sólo un pequeño fósforo frente a la montaña infinita del Fuego Ardiente de la Misericordia de Dios. ¿Tienes miseria? Aquí está el Señor, Dios de Bondad, Dios de Misericordia, acércate a Él. No tengas miedo, no está con el dedo señalándote sino con los brazos abiertos para regalártelo todo, a Él, vivo y sacramentado.

¿Cuál es la conversión más heavy de la que has sido testigo en todo este tiempo?

Cualquiera es impresionante. La más heavy es la de alguien que está leyendo ahora estas líneas y está decidiendo ponerse a los pies de Jesús vivo y sacramentado. A ti te digo hermano Dios va a cambiarte la vida a partir de hoy.

Hemos visto cosas increíbles del Dios de lo imposible. El Señor cuando actúa y lo hace siempre, lo hace siempre distinto a lo que uno piensa. Hemos visto personas que antes de irse a suicidar, nos dicen “quiero morirme” y se ponen a los pies de Jesús vivo y el Señor les transforma la vida en ese momento. El Señor no falla, porque ha venido para salvarnos.

Háblenos del grupo y a qué se dedican concretamente.

Los hermanos de la Comunidad de Siervos de Cristo Vivo somos laicos. Vivimos para adorar a Jesús vivo en la Eucaristía y desde ahí Evangelizar por todos los medios posibles. Todos hemos sido rescatados por Su Misericordia (de adicciones, suicidios, abortos, Nueva Era, esoterismo, anorexia, …) Todos conocemos el poder del Amor del Dios vivo y sacramentado que sigue sanando, liberando, perdonando, salvando hoy, como siempre. Porque Dios no ha cambiado sigue amándonos, sigue queriendo salvarnos a todos y que volvamos con Él de nuevo a Casa.

La comunidad la fundó el P. Emiliano Tardif (hoy en proceso de beatificación) con un diácono y padre de familia y una madre de familia. Fue hace 38 años. Hoy somos miles los hermanos que estamos en muchos países del mundo. La comunidad funda casas de oración (donde está expuesto el Señor sacramentado, en algunas hay ya adoración perpetua) y acogida.

Evangelizamos por todos los medios posibles sirviendo donde nos llaman a predicar y adorar, con la música, orando y acompañando a personas heridas, organizando cursos, con predicaciones online, escribiendo. Justo en este momento hemos lanzado una Editorial y un cuento “Matteo, pase lo que pase YO SIEMPRE estoy contigo” que es un cuento que ya están leyendo miles de personas en el mundo. Los testimonios que nos están llegando son impresionantes.

Lo más maravilloso es que el Señor nos permite servir a nuestros hermanos fuera de la Iglesia pero también dentro de la Iglesia: en parroquias, en colegios, a distintas realidades de Nuestra Santa Madre Iglesia (Opus Dei, FASTA, neocatecumenales, retiros de Emaús, Hakuna, Effetá, Night Fever, Cooperadores de la Verdad, Renovación Carismática, etc…)

Hoy en el mundo hay mucho ruido y falsedad, se necesita silencio y vivir en verdad.

Necesitamos simplemente ponernos delante de Jesús Vivo y sacramentado y no hacer nada más que estar con Él. No hay ninguna persona que se ponga diariamente unos minutos a los pies del Sagrario que en un tiempo el Señor no le haya cambiado la vida. ¡¡PORQUE ESTÁ VIVO!!

¿Qué diría a aquellas personas que están desesperadas y cómo se puede contactar con ustedes?

El P. Emiliano Tardif decía que “no hay casos desesperados sino personas que no conocen la Misericordia de Dios”. Así estaba yo, al borde del suicidio hace unos años, y el Señor vino a rescatarme. Ni siquiera sabía si Dios existía o no, era ateo combativo, hacía películas blasfemas en contra de la Iglesia en Nueva York. Pero al borde del colapso, dije pensando en María: “No sé si existes pero si existes sácame de aquí”. Y viví en primera persona el milagro de la sanación de Dios. Como el leproso que se acerca a Jesús y le dice “Si quieres puedes limpiarme” y Jesús le toca ¡LE TOCÓ! Y le dijo “Quiero, queda limpio”. Todos nosotros somos testigos en primera persona de que el Señor es TODOPODEROSO, es capaz de transformar cualquier vida por rota que esté. Solo quiere que acudamos a Él y nos rindamos. Que seamos honestos, que le digamos no puedo más. No hace falta tener mucha fe. El Señor con la fe que tienes, como en mi caso, es capaz de hacer maravillas.

Para contactar con nosotros, pueden hacerlo a través del canal que tenemos en Youtube:

https://www.youtube.com/c/ahiestavuestrodiossiervosdecristovivovalencia